El martes 23 de octubre se estrenó el video musical que le da vida a la colaboración entre el tenor italiano Andrea Bocelli y la ya famosa artista pop Ariana Grande, con un dueto de la canción E Piu Ti Penso, original de la película Once Upon a Time in America (Érase una vez en América, en español) dirigida por Sergio Leone y Malèna, dirigida por Giuseppe Tornatore y original melodía del músico Ennio Morricone.
Esta canción precisamente, se desprenderá del más reciente trabajo de Bocelli, titulado: Cinema, justamente porque ofrecerá canciones tomadas del cine para darles su toque muy personal. Estará a la venta a partir del 23 de octubre y contará con temas de las películas: Doctor Zhivago, Love Story, The Godfather, Life is Beautiful, Gladiator, The Postman, Breakfast at Tiffany’s, entre otras.
El video musical fue filmado en Roma y en Tokio, el cual está plagado de paisajes de ambas ciudades, donde los históricos lugares como el castillo de Saint Angelo en Roma y el antiguo templo de Sensō-ji en Tokio, nos transmiten el sentimiento de tristeza que emana la canción, ya que es un contraste con la distancia entre los cantantes, haciendo referencia a la letra.
Tanto Andrea Bocelli como Ariana Grande han expresado en sus respectivas redes sociales el agrado y emoción respectivamente que han sentido al interpretar la canción juntos.
Hoy en esta sección, hablaré de un video musical que se acaba de estrenar el lunes 28 de septiembre de 2015 de una banda procedente del Reino Unido, Londres, pertenecientes al género pop, electrónico y R&B. Se conforma por Olly Alexander (voz y teclado), Mikey Goldsworthy (bajo) y Emre Turkmen (teclado).
El videoclip que se estrenó pertenece al sexto sencillo de este trío, viene incluido en su álbum debut: Communion, el cual salió a la venta el 10 de julio de 2015. La canción titulada Eyes Shut, es una balada lenta con el piano como instrumento central, el cual cuenta con un video triste con un escenario bastante sombrío.
Todo comienza en un cuarto de apartamento, de donde el vocalista Olly Alexander comienza a caminar en lo que pareciera un plano secuencia de todo el recorrido audiovisual, mostrándonos un mundo caótico, en su camino se encuentra con destrucción, peleas, rituales de culto, encierros, fuego, problemas sociales, pobreza; pareciera que todo está en guerra. Los demás integrantes de la banda también aparecen en el video en diversas situaciones, uno destrozando computadoras y el otro sosteniendo a un lobo con mirada feroz y amenazante.
Este video se une a la lista de temas apocalípticos. Bien hecho pero muy triste, para allá vamos si no hacemos nada ahora.
El video musical de esta semana es interpretado por dos nativas neoyorkinas: Heather Boo y Emma Rose que se encuentran apenas ingresando al mundo de lo conocido en la música. Su estilo se centra en el Indie Soul y su nombre es un término francés en masculino para denominar algo “bello” o incluso “guapo”.
Bajo el sello discográfico Kitsuné, acaba de salir su EP homónimo. Por lo pronto tendremos que esperar hasta marzo de 2016 para que salga a la luz un álbum de estudio, aunque la banda comenzó como un hobbie, el dúo ya se prepara para tocar en Berlín y en algunas otras partes de Estados Unidos.
El video musical dirigido por Nautico se filmó en Los Ángeles y presenta un videoclip conceptual muy al estilo de Islands de la banda The XX, pero con una forma estilizada, donde de uno a otro momento las cosas comienzan a desaparecer, va de la tranquilidad a la actividad. El video tiene buen ritmo, a pesar de que la cámara no cambia de encuadre y sólo hace dollys out, y el centro de todo es un florero, cuyas flores se van marchitando a medida que transcurre el tiempo. Es un contraste de emociones.
Música nueva, buen concepto, buena canción y un adecuado video musical.
El video musical que elegí el día de hoy es bastante asertivo ya que de un momento de infelicidad de cada uno de los protagonistas se libera ciertas emociones.
Jr. Jr,, es una dúo de indie-pop que antes solían llamarse Dale Earnhardt Jr. Jr. Los integrantes son: Daniel Zott y Joshua Epstein, quienes se conocieron en otros proyectos musicales en Detroit. Gone se desprende de su nuevo álbum homónimo y saldrá a la venta el 25 de septiembre de 2015.
Una de las razones por las cuales la banda decidió acortar su nombre fue porque los integrantes querían “recuperar su voz” pues declararon que después de un período de sentirse como si estuvieran muy atados a otra personalidad, el cambio de nombre los “liberó” de alguna manera y la canción Gone es representativa de ese sentimiento, pues aunque suena alegre, su letra no lo es tanto, ya que trata con sentimientos muy reales de inadecuación y la tristeza que a veces nos invade de vez en cuando.
Un video que representa la liberación donde, los protagonistas se convierten en las piernas separadas alegres de torsos sin esperanza. Quizá no se resuelva nada, pero es como una declaración audaz de que a partir de ese momento, las cosas van a tener un aspecto diferente. ¡Buen video!
En los estrenos de videos musicales de la semana pasada encontré uno particularmente entretenido que dista de la reflexión a diferencia del pasado: Gibraltard de Beirut;You’re a Germ hace referencia al cine gore, aquél género de películas de terror donde la violencia es muy gráfica. De esta forma y de alguna manera, te remite a las películas de serie B también, donde el horror era de los temas favoritos de este género por ser un tipo de cine comercial de bajo presupuesto y la verdad, aunque falten algunos meses, queda increíble para el Halloween.
Wolf Alice es un cuarteto de rock alternativo provenientes del norte de Londres. Cuentan con un álbum de estudio titulado: My love is cool, de donde se desprende You’re a Germ y dos EP’s: Blush en 2013 y Creature Songs en 2014. Los integrantes de la banda alguna vez declararon ser seguidores de las películas de horror y que de vez en cuando compran una para los largos tramos de recorrido cuando salen de gira.
Por ese motivo, este video es un tributo a todos aquellos filmes. El concepto del videoclip se basa en que el grupo se encuentra en una pequeña casa en medio del bosque aparentemente, pasándola muy bien en una especie de reunión, la misma situación se repite varias veces en diferentes escenarios, donde de repente son atacados por zombies, un payaso y un hombre enmascarado con una hacha. La meta es siempre intentar escapar.
El video musical es bastante entretenido, lo recomiendo ampliamente.
Ayer se estrenó el nuevo video musical de la banda Beirut, yo no sabía, pero primero fue fundada por Zach Condon como solista y posteriormente fueron agregándose miembros. Gibraltar, es el segundo sencillo que se desprende de su disco: No No No, que se lanzará el 11 de septiembre de 2015.
Esta ocasión escogí este video musical porque me pareció bastante interesante, primero que nada porque la letra trata del esmero que puede hacer una persona al intentar algo, pero la forma que decidió el director, en este caso Brother Willis, para representar la canción fue descontextualizar un poco la letra para dar paso a mostrar un lugar lleno de basura como si los integrantes del grupo intentaran disfrutar lo que hay a su alrededor pero no lo consiguen, es como aferrarse a querer tener una idea que aunque tus ojos están viendo que no es posible, tratas de convencerte que sí lo es.
Tengo una anécdota que justo recordé cuando vi este videoclip, hace algunos años fui a Cancún en enero y hacía aire frío, pues era invierno y aparte había huracán, estaba sentada en la playa con la arena casi blanca y enfrente de mi un cielo gris, no tardaba en llover, traía puesto mi traje de baño, tenía mucho frío y aunque traía chamarra la sola idea de estar ahí en la playa me hacía aferrarme a no querérmela poner, pues uno siempre que va a esos lugares y más cuando es de vacaciones espera que haga calor y esté el cielo despejado.
Después de este breviario cultural, puedo decir que al concepto del video musical se le pueden sacar muchas acepciones, pues en cuentas resumidas el videoclip empieza con el percusionista Nick Petree y el vocalista Zach Condon en una playa desierta, bajo un cielo demasiado gris y a su alrededor basura, como cuando pasa el Spring Break en México, llena de botellas tratando de rescatar algo pero nada que se pueda hacer, después de caminar un rato se encuentran con el bajista Paul Collins, se les une al paso esperando encontrar una mejor vista.
En su largo recorrido podemos ver espacios solitarios, enormes, lejanos, hasta que por fin llegan a un destino: una isla de basura con un vertedero de roca humeante. Otro de los significados que tiene este video musical es bien o mal la concientización del medio ambiente, a ese paso vamos a terminar así si no hacemos algo.
Un video bastante interesante con una canción muy hermosa.
Buscando estrenos de videos musicales para esta sección me encontré con éste que se lanzó el lunes 10 de agosto, a escasos dos días, de los muchos que había para escoger me llamó la atención este videoclip, pues cuenta una historia, de esas que aparentemente no te afectan, pero que sin darte cuenta ya te llevaste la mano al corazón y se te quiere salir una “lagrimilla” por ahí. O tal vez yo sea muy sentimental, quizá porque paso por un momento difícil en mi vida donde creo que perdí algo y me siento un poco sola.
En fin, no les vine a platicar mis traumas sino a hablar de este artista: Trevor Powers, mejor conocido como Youth Lagoon; yo en lo particular no lo conocía aunque sí me sonaba; es un músico experimental que debutó con su álbum The Year of Hibernation el 27 de septiembre de 2011, después vio la luz su segunda producción: Wondrous Bughouse el 5 de marzo de 2013. Para su tercer material discográfico que será lanzado en septiembre, titulado Savage Hills Ballroom se desprendió el sencillo The Knower, y le siguió Highway Patrol Stun Gun.
El concepto del video musical, según Trevor Powers, es la idea de tener una extensión siempre de ti mismo. Pues se cree que siempre un@ va por la vida sol@, pero los distintos aspectos de nuestra personalidad son la base de nuestro espíritu. Esa es la idea, combinada con la de perder a alguien y tener esos sentimientos en ti día tras día.
En el videoclip todos estos sentimientos se muestran a través de un hombre en traje con una máscara dorada, éste acompaña a Trevor Powers en cada instante sea feliz, triste, eufórico, etc., alrededor de las calles de Nueva York. Para mi fue un video musical que efectivamente te transmite esa emoción y hay veces que dependiendo de la personalidad y/o el momento de cada quién te ayuda o te hunde más.
El 29 de julio de 2015 se estrenó el nuevo video musical de la banda australiana Miami Horror, una agrupación electro pop formada por: Benjamin Plant, Josh Moriarty, Aaron Shanahan y Daniel Whitechurch.
El grupo es conocido por participar en diversos festivales de música como: Field Day, Big Day Out, Good Vibrations "Groovin The Moo" y Splendour in the Grass durante el 2009. También, han sido teloneros de Phoenix, Simian Mobile Disco y Friendly Fires. Justo a finales de este mismo año la agrupación tiene su primer éxito con la canción Sometimes, incluida en su primer disco que vio la luz en 2010: Illumination.Cellophane (So Cruel), es el tema del video musical de hoy que se desprende del nuevo disco de la banda: All Possible Futures.
El nuevo videoclip es como yo lo llamaría “estás pero no estás”, pues a mi interpretación nos muestra una realidad que muchas veces vivimos, sino es que por lo menos la tenemos con alguien; es el hecho de que en nuestra rutina hacemos las cosas ya mecánicamente sin compartir nada, sin “chispa” y tu mente siempre está en otro lado, aunque no lo parezca.
De simple vista parece ser un video sencillo porque es un limbo blanco y tiene una escenografía escasa, quizá para hacer notar que también son simples las tareas que el talento nos va mostrando, pero todo está mostrado como si fuera un plano secuencia de un paneo a la derecha y todo se va conectando con estas diversas situaciones, a través de los metros de manos y/o pies extendidos que nos van llevando al siguiente acontecimiento, nada sencillo, muy ingenioso.
Independientemente del talentoso video musical, la letra de la canción es muy buena porque queda para varias interpretaciones y me parece que el director justo retoma todas éstas para darle vida al argumento, pues tanto se puede interpretar de que se está pero en realidad no, por razones personales; también puede ser como toda esta parte de infidelidades de pareja que se dan porque no estás por completo ni con un@ ni con otr@. También, aunque no se muestre en el videoclip, en realidad esto es lo que pasa cuanto todo el mundo está encerrado en su burbuja comunicacional; es decir, en la vida de sus “apartitos” los cuales los llamas smartphones pero a veces no creo que sean muy inteligentes la mayoría de los que los usan y menos cuando se están perdiendo la vida real por estar en la virtual.
De esas canciones que nos suben el ánimo cuando estamos tristes, de esas canciones que necesitamos escuchar para seguir adelante, llega ésta del nuevo material discográfico de Pharrell Williams.
La melodía tiene la particularidad de ser de las primeras en lanzarse en streaming como parte de la nueva fórmula de Apple: Apple Music, el día 30 de Junio de 2015. La primera vez que se presentó fue durante el Festival Glastonbury el 27 de Junio.
Y el 22 de julio se estrenó el videoclip de Freedom en YouTube, el cual dirigió Paul Hunter, este video no sólo recrea lo que dice la letra de la canción, sino que lo plaga de personas, paisajes, culturas, ambientes, naturaleza, animales, situaciones, historia. Todo para dar un mensaje esencial: libertad.
Este video musical cuenta con muchos time lapses, tomas aéreas, material de archivo histórico como a Muhammad Ali dando puñetazos, la representación del épico momento sobre la matanza de la plaza de Tiananmen hecho con Legos, etc.
Me parece que Pharrell evoca a la belleza, a la lucha bailando alrededor del mundo dejando a un lado su sobrero característico y cambiándolo por una boina. Un video musical muy asertivo.
Como muchas cosas en la vida, cada época tiene sus modas y ésta no es la excepción, si nos pidieran enumerar algunas de ellas ahora, podría decir que en el cine definitivamente las sagas de películas, pero hay otro común denominador: las historias de zombies. Si bien, ya sabíamos que “existían” desde infinidad de años atrás y el audiovisual en general lo utilizaba, hoy se trata de recrear con más frecuencia, películas como Guerra Mundial Z y series de televisión como TheWalking Dead, son sólo algunos ejemplos de esta tendencia.
Casi todo empieza igual: en el descuido del ser humano en el planeta un virus de origen desconocido y/o provocado hace que miles se infecten con escasas posibilidades de sobrevivir, quedando pocos pero con un gran peligro por delante al ser atacados por los muertos vivientes. Y justo este video musical se trata de eso.
El concepto fue creado por Steve Aoki, y el argumento trata de la infección de un virus a la mayoría de la población en el mundo, Steve y Mike Shinoda, integrante de Linkin Park son científicos, encargados de encontrar la cura que incansablemente luchan por salvar a los pacientes con los cuales se está experiemntando.
Esta canción es la segunda colaboración que hace Steve Aoki con el grupo Linkin Park y se desprende del tercer álbum de estudio de Aoki, titulado: Neon Future II. Si se dan cuentan como ya previamente les dije, los temas se ponen muy de moda y el del apocalipsis mundial se está haciendo muy común, justamente porque cada día las cosas se vuelven más difíciles y es necesario crear cierta consciencia en todos nosotros.
En mi búsqueda de nuevos videos musicales me encontré con el tema Waiting For Love, y a medida que iba investigando me di cuenta que la canción cuenta con tres versiones.
El que vi primero fue el video musical, éste se estrenó el mes pasado y lo publicaron en YouTube el 26 de junio de 2015, escogí éste de inicio de entre todos porque es narrativo y se me hizo bastante bonito. El argumento es muy sencillo: un anciano busca por todos lados a su amada hasta encontrarla. Y justo el video musical con letra, no sólo se centra en mostrarnos eso, sino también cuenta una historia diferente, que trata la vida de un hombre y su perro, el dueño se va a la guerra y el perro va a buscarlo hasta encontrarlo, éste es animado.
Ambos videos tratan la pérdida de un amor y la perseverancia de buscarlo hasta finalmente volver a encontrarlo. Me parece muy acertado como se ilustran estos dos videoclips, pues justo una de las cosas que debe contener un video musical es tener la virtud de causar ciertas emociones al espectador y de verdad nos guste o no la canción, el tipo de música, etc. Si les transmite esas emociones ya es un logro.
Aunque la tercera versión del video ya no cuente como tal una historia, la particularidad de éste es que se hizo al igual que el de Björk: Stonemilker, con esta nueva tecnología de 360 grados, donde se muestra a diferentes bailarines que salen de distintas puertas. Para poder ver este videoclip en Internet se necesita el navegador Google Chrome y me parece que para teléfonos celulares y tablets sí funciona tal cual directo desde YouTube.
No soy muy asidua a escuchar música de Avicii, sin embargo, lo conozco porque es muy sonado el EDM (electronic dance music) en la actualidad, por supuesto, no falta nunca en los antros. Pero me da gusto que este DJ de origen sueco explote en sus videos musicales mensajes bonitos y no lo clásico de siempre: conciertos hasta el full y ellos tocando, claro está bien uno o dos videos así pero no todos. Abajo les dejo las tres versiones para que las disfruten:
Hace una semana, justo el 1 de julio se estrenó. ¿Qué si me gustó el video musical de Rihanna? Muchos dirán que sí y otros que es una reverenda mierda. Los que dicen que sí normalmente lo hacen porque es una oda a muchas películas de culto como Carrie, The Doom Generation, Indecent Proposal, Thelma and Louise, Boogie Nights, Faster Pussycat! Kill! Kill!,Weekend At Bernie’s, como bien lo dice Thomas Gorton en su artículo. Pero no sólo eso sino que el grado de violencia, desnudos y palabras altisonantes son muy característicos de películas como las de Quentin Tarantino que tanto gustan al público masculino y justamente también retoman elementos de muchas cintas de culto y Serie B.
Aunque la letra no es muy compleja, va dirigido a un solo objetivo: ¡Que le paguen su dinero! ¿A cuántos no nos dan ganas de hacer esto, simplemente cuando un sin vergüenz@ nos debe dinero y no nos paga? Pues a much@s y quizá sea una razón escondida por la cual nos agrade este video musical, independientemente de lo bien que esté hecho técnica y narrativamente. ¡Claro! Es como todas las películas violentas que nos encantan, sólo porque en ellas nos vemos reflejad@s, algo que no podríamos hacer en la vida corriente, pues vivimos en una sociedad en la cual está penado y por supuesto es algo terrible, lo sabemos pero todas esas emociones que reflejan furia las aprobamos cuando las vemos plasmadas en algo ficticio, en este caso el videoclip de Rihanna.
A la gente que no le gusta, dirá que es retrógrado y es el reflejo de lo que se vive a diario, finalmente si está penado ese grado de violencia no ha sido un impedimento para que día con día crezca más, pero eso ha sido por muchos factores de otro tipo, que no lo hablaremos ahora porque es un tema “espinoso” y bastante amplio. Es polémico el video musical, ¡por supuesto! Normalmente no hay tantos así porque un artista lo que menos quiere es que lo censuren y lo encasillen en ciertas categorías. Pero Rihanna no tiene nada que perder, es una cantante consolidada y ya ha dado mucho de que hablar en cuanto a drogas, sexo y malas palabras, así que el video simplemente es una parte más de ella.
Ahora, con esto no estoy defendiendo lo que muestra pues también hay que tomar en cuenta que es una figura pública y por lo tanto un ejemplo a seguir para much@s, ¿cuántos casos no hemos visto y oído de violencia real por imitar a una figura pública? Muchos. Podríamos ovacionar a Rihanna por haberse atrevido a hacer un video “diferente”. Sin embargo, todo el “teatrito” se le vendría abajo si alguien hiciera algo muy similar a lo que se muestra en la vida real.
Según dicen, la canción relata uno de los pasajes en la vida de Rihanna contra un contador, Peter Gounis, donde la artista presentó una demanda en su contra en 2012, alegando que él le dio asesoramiento financiero “poco sólido” que la condujo a una pérdida de $9 millones sólo en 2009. Finalmente, ella ganó un acuerdo multimillonario, y por obvias razones no me extrañaría que quisiera hacer todas esa cosas al responsable: rapto, secuestro, violencia, humillación, racismo, asesinato y una lista innumerable de atrocidades que representa esta historia visual.
La canción es el segundo sencillo del octavo disco de Rihanna y no hay más que decir, porque si no han visto el video musical ya les di un preámbulo muy grande en este comentario y por supuesto, el videoclip comienza con una advertencia de lenguaje, desnudos y violencia, así que si están preparados es el momento de ver y opinar sobre éste.
A mi me gustó, primero porque amo los videos musicales, segundo porque amo los videos musicales narrativos y éste es excelente en eso y tercero porque entre más locaciones, vestuarios, etc., etc., más que aplaudir pues se vuelve todo más complejo. Pero para nada apruebo las prácticas que en él se realizan, pues finalmente y en el mundo este tipo de cosas existen, sólo basta con mirar problemas como el narcotráfico, la violencia, el crimen organizado, etc., y son muchas de las veces hechas a gente inocente y eso no es justo.
